¿Cuántas veces hemos escuchado la palabra minimalista y rápidamente nos hemos ido a un salón blanco y negro con algún toque rojo? Muchas, pero no todo el minimalismo es eso ni todo eso es minimalismo.

En alguna ocasión en nuestro blog ya hemos hablado del minimalismo, y de cómo éste hace su aparición en los diferentes campos que nos rodean. Hoy, en el blog de CoolMaison, vamos a hablar del arte minimalista, una pintura que aspira a un estilo estrictamente geométrico donde el orden no es inflexible sino moderado.

La pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Esta pintura protagonizada por trazos abstractos se originó en Estados Unidos, más concretamente en la gran manzana. Allí, tuvo su inicio en los años 60 aunque su máximo esplendor lo alcanzó en la década de los 70.

Este nuevo estilo nació como reacción y rechazo al expresionismo abstracto. Siendo fiel a sus raíces, el minimalismo no cumple una función ideológica ni utilitaria. Tampoco es expresionismo porque no busca la transmisión de ningún mensaje, aunque como todo arte que se precie, transmite los sentimientos del artista o de un momento determinado. La pintura minimalista es la forma más pura de arte, es el arte por el arte, el menos es más.

Su máxima es expresar lo máximo posible empleando el menor número de elementos. Una depuración exquisita de la obra hasta encontrar lo esencial, su identidad misma. Es un arte simple, pulcro, limpio, recto.

Bajo esta misma premisa, en Coolmaison nuestras piezas son diseños y complementos deseados. Joyas contemporáneas que nos hacen sentirnos nuestros, despierta una atracción por sus diseños como si los llevaras buscando toda la vida.

Al igual que el minimalismo, en Coolmaison nuestra joyeria artesanal expresa lo máximo con lo mínimo.

¿Quieres conocer más?

A lo largo de la historia, cada civilización tenía su propia tradición y costumbre; un hecho que repercutía también en el tipo de juguetes que se elaboran. Veamos como fueron las muñecas a lo largo de nuestra historia.

Las muñecas a lo largo de la historia

Destacando las principales culturas y civilizaciones, las protagonistas de esta historia son las muñecas egipcias.

El material de las primeras muñecas encontradas estaban elaboradas en madera y compuestas de una sola pieza. Aunque tenemos que resaltar que se han encontrado muñecas articuladas y con ropa bien conservada en el año 200 a. C.. En Grecia, sin embargo, las elaboraban en arcilla, presentando articulaciones en hombros y cadera. Por escritos encontrados, sabemos que las muñecas de los griegos ya eran consideradas simplemente juguetes.

Las niñas de Roma también podían imaginar y disfrutar con muñecas móviles que se adaptaban a las historias de su imaginación. En esta ocasión, los materiales de elaboración era marfil, hueso, madera, cera e incluso yeso. Era una costumbre habitual que si un niño fallecía, se enterraba junto a sus juguetes o éstos quedaban representados en la lápida de su tumba. Además, también existía la tradición de llevar las muñecas que habían acompañado a las jóvenes durante su infancia a los altares de Venus. Sus articulaciones componían una figura bastante similar a las muñecas más exitosas de nuestros tiempos, la famosa Barbie.

A pesar de su avanzado ensamblaje, teniendo en cuenta el tamaño, la precisión y las herramientas que disponían, las más populares fueron las muñecas de trapo. Éstas se hacían en las casas con trozos de tela inservibles como relleno. En un siglo XVII inglés, las muñecas denominadas «Queen Anne», elaboradas en madera y con un alto grado de detalle nos hacen pensar que ya en aquella época existían artesanos especializados o, aún con más suerte, padres habilidosos. Fue en el siglo XV cuando se extendió la fabricación de muñecas por toda Europa.

Actualmente existen muñecas de todo tipo y con un sinfín de mecanismos que las hacen hablar, reír, comer, hacer sus necesidades, ir en bicicleta…y sus rostros son cada vez más realistas. En muchos casos han dejado de ser juguetes para convertirse en objeto de coleccionistas.

Los juguetes de la actualidad

Hoy en día los juguetes son el principal amor de nuestros hijos. Los utilizan para jugar, entretener y aprender. De manera individual o en compañía, utilizando uno o creando escenarios, los juguetes son los verdaderos protagonistas de la infancia. Tal es la importancia de los juguetes en la vida de los niños, que, aprovechando su atractivo lúdico, se puede aprovechar para despertar el interés de otras disciplinas como la lectura.

¿No te hubiera resultado increíble haber podido tocar a tu personaje favorito?Te apetece ver más sobre el universo infantil. Pincha aqui:

Ramón Muntaner escribió su famosa Crónica de Muntaner en poco más de tres años. Gracias a su trayectoria como soldado, Muntaner presenció muchos de los relatos que aparecen en su crónica. Cargada de datos históricos, la Crónica puede resultar de sumo interés para analizar ese período de la historia relacionada con la Corona de Aragón.

Para rendirle homenaje, Barcelona denominó a una de sus calles con el nombre de Muntaner. La calle es considerada una de las calles más aburguesadas de Barcelona, sobre todo el tramo que va desde la Vïa Augusta hasta la parte alta de la ciudad, la Plaza Bonanova.

El origen de la calle se sitúa el 1 de abril de 1865, conocida como la número 23 del plan Cerdà. Se orienta de este a oeste, desde la Ronda Sant Antoni (Plaza de Goya) hasta la Plaza Bonanova, cruzando l’Eixample y adentrándose en el barrio de Sant Gervasi. En total 4 km. de calle con una anchura media de 15 m. de calzada y 5 m. de acera. La calle Muntaner cruza otras importantes vías: entre ellas la Ronda General Mitre, la Vía Augusta, la Diagonal o la Gran Vía. También el sentido de la circulación es descendente, aunque antiguamente su tramo superior era de doble sentido. A lo largo de su trayecto se encuentran algunos de los edificios y monumentos más emblemáticos de Barcelona, cargados de historia. 

Nosotros no somos lo únicos que admiramos y somos conscientes de la importancia que ha tenido, y tiene. La calle Muntaner para la historia y el comercio de Barcelona ha sido de vital importancia. Y decimos que no somos los únicos porque los chicos de Fragments BCN también han sabido admirarla y valorarla. Enamorados de su ciudad, han querido que la esencia y la historia de Barcelona se conserven. Han desarrollado una manera muy peculiar y muy poco habitual, pero eso sí, excepcional. Preservando la historia de su ciudad natal, se encargan de rescatar las baldosas de edificios emblemáticos de la ciudad condal.

El diseño japonés históricamente fue seducido por el diseño industrial a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Tras la Segunda Guerra Mundial, Japón comenzó su recuperación económica, gracias a la reactivación de la producción industrial y, sobre todo, al ofrecer mano de obra muy asequible. En una primera fase de este resurgir, los japoneses comenzaron a copiar y fabricar productos americanos y europeos para su posterior exportación, originando una saturación del mercado. Este hecho hizo que Japón se reinterpretase, centrándose así en la innovación tecnológica.

Woodfeelings

Estos dos amigos son diseño, estudio y observación. Se definen como lo necesario para conseguir un producto final único. Son el resultado.

Estos gallegos crean piezas de madera objeto de un exhaustivo estudio. Gracias a un trabajo multidisciplinar son capaces de dominar este arte y crear soluciones estéticas adaptadas al propio comportamiento de la madera. Comportamiento que entienden y respetan sin igual.

Su filosofía es homogeneizar artesanía y diseño. De esta mezcla ofrecen a sus admiradores piezas creadas íntegramente en madera maciza con altos estándares de calidad. Esto hace que sus productos no tengan fecha de caducidad. Es así como transmiten su amor por lo clásico con vistas a un futuro.

Como en todo, los hay que defienden el arte tradicional, con soporte físico, y los hay quien apuesta por una remodelación de la técnica y en cuya innovación tecnológica también hay un hueco para esta hermosa rama. El arte digital engloba una serie de disciplinas creativas en las que las tecnologías digitales entran en juego durante el proceso de producción o en su exhibición. La expresión artística utiliza otros lenguajes para comunicarse, no solo el del reflejo visual, si no el propio código informático que resulta invisible a nuestros ojos.

Este arte rompe totalmente con la representación hasta ahora vista y, además, engaña al espectador tanto en la representación como en lo representado. Por establecer una comparación, lo podemos hacer con respecto al cuerpo humano. Nosotros mostramos una apariencia, pero nuestro interior es un complejo mecanismo y un código genético que nos define cómo debemos ser.

Si echamos la vista atrás, esta nueva época no es la primera en la que los métodos matemáticos influencian la rama artística. Durante el renacimiento el arte sufrió ciertas modificaciones con la incorporación de la perspectiva en sus representaciones.

Uno de los que se adelantó a este fenómeno fue el pintor neoimpresionista Seurat. ¿Acaso empleó los ordenadores para sus obras? Por supuesto que no, pero innovó en la técnica resultando un parecido con lo que actualmente son los pixeles. Hoy en día, un pixel es la unidad más pequeña de una imagen informática. Sobre este punto, destaca la importancia que tuvieron las manchas de color del impresionismo y sobre todo más tarde el neoimpresionismo con el puntillismo para llegar luego a concebir los píxeles.

El Arte Digital en CoolMaison

Y como no solo es arte aquello que se expone en los museos, nuestra artesana Anne Champeney ha querido rendirle su particular homenaje. Un reconocimiento a este vanguardista y moderno arte con su colección de mantitas para bebé, suaves y listas para arrullar. Un arte digital tejido a mano en los telares gallegos cargados de sabiduría traída desde Inglaterra para enamorar, empezando por los más pequeños, es sin duda, el mimo que andabas buscando:

Gustav Klimt

Gustav Klimt tenía una habilidad que existía escasamente entre los artistas de la época. En un solo cuadro sabía mostrar el espíritu del esplendor que se vivía en Austria en 1900. A pesar de su habilidosa manera de pintar, rechazaba el convertirse en un mero cronista del momento.Alejado de la fama oficialista, se entregó ciegamente a las mujeres de sus pinturas. Hechizadoras e irresistibles, ideales perfectos de femme fatale, reflejos relacionados con seres míticos ligados al placer y al exceso. Los hombres, en un plano secundario en sus obras, no podían hacer otra cosa más que someterse a ellas, las patronas de la escena.

Las mujeres que inspiraron a Klimt

En la Neue Galerie de Nueva York han desarrollado un espacio dedicado al pintor y sus mujeres llamado “Klimt and the Women of Vienna’s Golden Age, 1900-1918”. Una exposición que ofrece la oportunidad al espectador de conocer mejor a las mujeres musas del genio austríaco.

Toda su brillante trayectoria apunta a que es debida a los retratos que pintó de la modelo Adele Bloch- Bauer. Uno de estos retratos es conocido como la Dama de Dorado. Haciendo un guiño a la edad de oro de la burguesía. Esta obra fue valorada hace diez años como la segunda pintura más cara de la historia, superando a Picasso. Este retrato es uno de los primeros del estilo dorado que caracterizó al artista, y que al igual que el resto de su colección, fue desvalijado por los nazis. Estas piezas, sorprendentemente, fueron recuperadas recientemente por Maria Almann, sobrina de Adele, la musa protagonista de los cuadros de Klimt.

La buena sobrina ha cedido estas obras a la Neue Galerie de Nueva York. El objetivo de la cesión es completar la exposición que tiene por nombre “Klimt y las mujeres de Viena de la edad de oro 1900 – 1918”.

La exposición cuenta con un total de 12 pinturas, 40 dibujos y 40 obras de arte, entre ellas encontraremos dos de Adele. A pesar que su convivencia había cesado diez años antes, el pintor seguía inspirándose en ella, tan importante para él.

Sin duda, una visita obligada si estás pensando viajar a la gran manzana. La exposición estará vigente desde septiembre hasta enero de 2017. Más info aquí.

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